Ein Kunstwerk im öffentlichen Raum entfaltet seine Bedeutung in Korrespondenz zu seiner unmittelbaren Umwelt, indem es sich zu ihr in Beziehung setzt. Beim Betrachten der Plastik Menschenpaar aus dem Jahre 1972 allerdings entfaltet sich kein atmosphärischer Bezug zum Ambiente, hier sucht der Betrachter vergeblich nach Orientierung. Sie entfaltet ihre atmosphärische Bedeutung nicht standortgebunden, sondern nur in der Korrespondenz mit dem Betrachter. Man kann das Werk deshalb weder als Kunst am Bau bezeichnen, noch auf einen einzelnen Standort beziehen, sondern muss es eher dem privaten Bereich der freien Plastik zuordnen. Als freies, weder in die Architektur noch ins Ambiente eingebundenes Werk könnte es überall stehen.
Aber das mit Nacktheit bekleidete Menschenpaar widerspricht ganz unvermittelt all unseren Erwartungen. Dies tut es in besonderer Weise. Denn der intimen Sphäre des Privaten entrissen und in die Öffentlichkeit gestellt enttäuscht es durch die Gestalt seiner Oberfläche unsere eingefahrene Alltagswahrnehmung und stellt die Geltung unserer Routinen in Frage. Aus diesem Grunde könnte das Werk eigentlich nirgendwo stehen¹. Der zeitgenössischen Wahrnehmung bleibt das Menschenpaar fremd. Es findet sich kaum ein mentales Milieu, das ihm Heimat böte, auch jede andere Platzierung bliebe ortlos. Denn der Alltagswahrnehmung erscheint die Darstellung dieser selbstbewussten existenziellen Nacktheit provokant und herausfordernd. Hier läuft ein sinnerweiternder Subtext mit, wir finden ihn schon in der Form einer gewissen Angriffslust durch die Themenwahl „Menschenpaar“. Denn Menschenpaar ist auch der Zeitgenossenschaft der endsechziger Jahre des 20. Jahrhunderts gewidmet². Hiery hat seine Vorstellungen vom Existenziellen gegen die der Zeitgenossenschaft gestellt, auch hier beim Menschenpaar in minimalistischer Form, auf die ‚bloße’ menschliche Existenz bezogen, als Monument der Besinnung, der Orientierung. Das individuelle Selbstwertgefühl, das die beiden Figuren einzeln und als Paar ausstrahlen, ist nicht an Accessoires der Warenkultur gekoppelt. Es verdankt sich nichts anderem als sich selbst, symbolisch dargestellt durch seine Nacktheit. Als Zeitgenossen sind sie anders. Dies ist vermutlich auch der Anlass für die mentale Distanz, denn die Ästhetik des schönen Scheins duldet kein Anderes. Auch die gleichberechtigte Darstellung einer nackten und selbstbewussten weiblichen und männlichen Figur folgt in keiner Weise dem zeitgeistig modernen Anspruch an Körperschönheit oder Präsentationsregeln. Provokant aber wirkt die Darstellung der nackten männlichen Figur. Sie entspricht in keiner Weise den Konventionen der Zeitsignatur, denn der „öffentliche Körper“, der medial zur Schau gestellte Körper ist zur Entstehungszeit des Werks noch der weibliche.

Nicht nur die durch Fremdheit im öffentlichen Raum verdichtete Präsenz der beiden Figuren fordert den Betrachter heraus. Das geschieht auch noch durch eine andere atmosphärische Eigenschaft. Das Menschenpaar schaut aus seiner Zweisamkeit, aus der geschlossenen Architektur eines ganz eigenen Gefühlskosmos auf die Welt. Zwar weisen die kontrollierend wachen Blicke nach außen. Aber ihre Gesten sind nach innen gewendet, sie beanspruchen keine dramatische Bedeutung für den Betrachter. Das Figurenpaar bildet um sich herum einen zugangsoffenen Raum, der sich aus dem innerlichen Bewegtsein der beiden Figuren bildet, einen Raum, in dem die Figuren keine Gebärden machen, sondern ihre Gebärden sind. Sie bilden einen Gefühlsraum³. Erst der außeralltäglichen, der ästhetischen Wahrnehmung des Betrachters gelingt es, sich auf diesen Gefühlsraum einzulassen und erst dann erschließt sich ihm das Werk. Nicht die Alltagswahrnehmung, sondern erst die sinnliche Wahrnehmung schließt den Betrachter in den Gefühlsraum des Menschenpaars ein. Jetzt beginnt er, Unplatzierbarkeit als Appell, als Merkmal einer besonderen Qualität zu akzeptieren.

Wenn dies gelingt, erfährt der Betrachter eine Art Wiedergeburt. Das lässt sich vielleicht am Attribut der Nacktheit verdeutlichen. Sie ist in der gesellschafts- und konsumkritischen Entstehungszeit des Werks wie in der Gegenwartskultur von Verwertungsinteressen geprägt, bei denen Nacktheit eine besondere Rolle spielt. Nacktheit ist in der Alltagserfahrung als zu verhüllende Oberfläche der Verwertung kodiert. Jedes Kostümteil des zu bekleidenden Körpers ist davon betroffen, jedes trägt die Zeichen eines fremden Zeichenvorrats. Das gilt nicht nur für die bekleidete öffentliche und private Körperoberfläche in Sport und Freizeit. Die Kodierung gilt für den Leib selbst. Er hat heute seine ganz eigene Weise des öffentlichen Zeigens.

An den Figuren des Menschenpaars aber ist nichts Oberfläche, nichts Schein, sie haben keine äußere Hülle, weil ihre Oberfläche die dem Leib eigene, die selbst gefühlte, die eigene Oberfläche des eigenen Leibes ist. Stück für Stück geformt gegen den Zeitgeist der Ware. Ihre Körper haben nichts Theatralisches, nichts bloß Gemeintes, das sich zeigen will. Die Figuren ruhen miteinander. Sie sind dem verheißenen Paradies der Warenwelt entflohen. Der gesellschaftliche Druck, sich als außergewöhnlich und individualistisch zu präsentieren, scheint abgefallen. Verzicht auf jegliches Statussymbol, auf jede soziale Identität. Emanzipiert im Wissen, welches Paradies sie meiden. Nackt und bei sich.

Ihre Nacktheit liest sich als eine Metapher für diesen Zusammenhang. Hier finden wir den Appell, den die Erfahrung der Ortlosigkeit auslöst, als visuellen Hinweis auf den drohenden Verlust der conditio humana in der Moderne⁴.